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Woodstock ne s'est presque jamais produit

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Woodstock, le festival de musique emblématique, a attiré des foules immenses et des performances révolutionnaires. Mais cela n'est presque jamais arrivé.


Woodstock ne s'est presque jamais produit - HISTOIRE

Barney Hoskyns explore l'histoire oubliée de Woodstock, New York

Par Jeff Suwak

L'événement culturel de trois jours connu sous le nom de Woodstock s'est en fait tenu à Bethel, à 80 kilomètres de Woodstock, dans l'État de New York. Les habitants de Woodstock ne voulaient pas accueillir le spectacle, et ils n'étaient pas très satisfaits de l'afflux de visiteurs attirés par la ville de campagne autrefois calme après sa fin.

Les médias se sont concentrés sur le concert de Woodstock, négligeant presque complètement la scène tout aussi fascinante et musicalement importante qui s'était développée dans la ville. En partie à cause d'un code du silence imposé par son résident le plus célèbre, Bob Dylan, cette négligence a continué. Même si les années 60 sont devenues l'une des décennies les plus scrutées de l'histoire, l'histoire de Woodstock, la ville a été laissée dans l'ombre, tandis que les scènes similaires de Laurel Canyon de Los Angeles et de Haight-Ashbury de San Francisco ont suscité tant d'attention nostalgique. qu'ils ont atteint un statut mythologique à part entière.

Barney Hoskyns Small Town Talk : Bob Dylan, The Band, Van Morrison, Janis Joplin, Jimi Hendrix and Friends in the Wild Years of Woodstock intervient pour amener la région à sa stature historique légitime. Alors que son histoire centrale tourne autour de Bob Dylan et Albert Grossman dans les années 60, le livre détaille tout, de la colonisation de la ville au statut moderne de sa scène de boîte de nuit. C'est vraiment assez unique de cette façon. Woodstock lui-même est un personnage de l'histoire, pas seulement le décor.

Un large éventail de personnages flotte à travers l'histoire, allant de Dylan à Borderline, de Van Morrison au Paul Butterfield Blues Band, de Jimi Hendrix à Ed Sanders. C'était un endroit où les étoiles allaient relocaliser leur âme et rajeunir leur esprit. C'est là que Bob Dylan a fait une pause après une balade à vélo pour discuter avec Jimi Hendrix sur la pelouse. Les artistes y sont allés pour la simplicité, et cette quête a transpiré dans leur musique. L'influence a fini par ramener la musique populaire dans son ensemble à ses racines.

À bien des égards, ce qui s'est passé à Woodstock à l'époque de Dylan et Grossman était un microcosme des années 60 dans son ensemble : -au. Ainsi, en détaillant cette petite tranche de temps et de lieu, Hoskyns révèle également beaucoup de choses sur le caractère de l'époque en général. Mais, même sans cette vision plus large, les anecdotes du livre valent à elles seules le prix d'entrée. Paul Rothschild discute de la première fois que Dylan a laissé tomber de l'acide, qui, selon lui, est également le moment précis qui a donné naissance aux "mystiques années 60". Il a Van Morrison agissant comme un adolescent nerveux avec un béguin alors qu'il rôde près de la maison de Dylan, essayant d'avoir le courage de l'approcher. Il a des légendes du rock and roll qui cherchent désespérément Woodstock comme baume pour leurs âmes meurtries, puis font rapidement exploser leur couverture lorsqu'elles ramènent ivres des groupies dans leurs crash pads super secrets.

Barney Hoskyns a pris le temps de répondre à certaines de nos questions sur Discussion de petite ville.

Jeff Suwak (Songfacts): Quelle part de "Small Town Talk" a été écrite à partir de recherches dans la littérature existante et quelle part d'entretiens menés spécifiquement pour le livre ?

Barney Hoskyn: Difficile de décomposer cela avec précision, mais j'ai fait plus de 80 interviews pour le livre. Consultez les remerciements.

Faits de la chanson: Votre livre explore la ville de Woodstock et sa place dans l'histoire de la musique et de la contre-culture. En particulier en ce qui concerne les années 60 et 70, l'espace qu'il occupe est assez important. Malgré cela, il est largement passé sous le radar jusqu'à présent et n'a pas été autant exposé ou mythifié que les scènes très similaires de Laurel Canyon et Haight-Ashbury. Pourquoi pensez-vous que c'est?

Barney: Je pense honnêtement que c'est parce que l'histoire musicale de la ville a été tellement éclipsée par "le festival qui n'a jamais eu lieu là-bas". Les gens savent que Dylan et The Band ont vécu à Woodstock mais ne savent pas grand-chose au-delà.

Faits de la chanson: Il est évident à la lecture du livre que vous avez des sentiments profonds pour la ville de Woodstock. Vous avez déclaré avoir trouvé de la « magie » là-bas, mais vous n'avez certainement pas hésité à faire la lumière sur tous les aspects de l'endroit, y compris les moins qu'attachants. A-t-il été difficile de rester objectif pendant que vous écriviez sur la ville pour laquelle vous avez tant d'affection personnelle ?

Barney: On cherche toujours la vérité, aussi désagréable soit-elle. Et je suis toujours intéressé par la relation entre la lumière et l'obscurité, ainsi que par les faiblesses humaines de base – chercher quelque chose de bien et ne pas le trouver tout à fait, ou se faire piéger par vos démons.

Faits de la chanson: Autant votre livre parle de Woodstock et des stars de la musique, autant il parle de l'héritage du manager Albert Grossman. À la fin du livre, il émerge de l'histoire comme une sorte de marionnettiste tirant les ficelles derrière presque tout ce qui est sorti de cette ville. Comment résumeriez-vous l'impact de Grossman sur la ville de Woodstock et la musique de l'époque en général ?

Barney: Albert était le Big Daddy de la ville, le gars qui voulait y créer son propre fief personnel, être le plus gros poisson d'un petit étang. Je pense que lui aussi cherchait quelque chose de bien là-bas, mais c'était une âme fondamentalement malheureuse et solitaire.

Au début des années 70, tout avait changé et les rock stars étaient les nouveaux Yuppies.

Faits de la chanson: Dans votre livre, Peter Yarrow déclare qu'il a des doutes sur le fait que Bob Dylan aurait jamais atteint une telle renommée sans la gestion de Grossman. Seriez-vous d'accord avec cette déclaration?

Barney: Je pense que Yarrow exagère, car il est difficile de croire que Dylan n'aurait pas percé. Mais je suis sûr que la trajectoire de son ascension aurait été très différente – peut-être dans les bons comme dans les moins bons. Albert a beaucoup fait pour façonner le culte et la mystique de Dylan, et il l'a protégé de faire des choses stupides là où un autre manager n'aurait peut-être pas.

Faits de la chanson: Il y a une ligne formidable dans le livre qui décrit Todd Rundgren comme "le dernier fils prodigue du héros culte Albert Grossman et la dernière vraie star de Woodstock". Patti Smith exprime une appréciation similaire. D'autres, cependant, considèrent Rundgren comme un grand talent dont la nature entêtée et l'individualisme compulsif l'ont empêché de réaliser son plein potentiel. Avez-vous une idée de ce que Rundgren lui-même ressent à ce sujet, maintenant qu'il arrive à la fin de sa carrière?

Todd Rundgren et Bébé Buell, 1975
(photo de Bob Gruen)

Barney: Je pense que Todd a toujours été en paix avec lui-même parce qu'il a depuis longtemps transcendé son propre ego. Il s'est toujours intéressé au monde au-delà de Todd, contrairement à tant d'"artistes", et cela l'a gardé sain d'esprit. Je doute qu'il passe beaucoup de temps à regretter de ne pas être devenu l'Américain David Bowie – ce qu'il aurait probablement pu être. La postérité jugera si sa musique tient aussi bien que, disons, celle de Bowie. Personnellement, je crois que oui.

Faits de la chanson: Plusieurs personnages de votre livre observent que Woodstock le festival a ruiné Woodstock la ville. Comment pensez-vous que la scène de la ville aurait évolué si le festival n'avait jamais eu lieu ?

Barney: Je pense qu'il aurait continué à évoluer, mais sans l'afflux de chercheurs, de gosses abîmés et de médiocrités musicales. Mais alors, cela aurait pu simplement s'essouffler et nous n'en parlerions plus autant maintenant.

Faits de la chanson: Vous avez écrit que la chanson "Mercedes Benz" de Janis Joplin "exprimait parfaitement les attentes croissantes de la nouvelle élite du rock". C'est une déclaration intrigante. Pourriez-vous développer ce que vous entendez par là ?

Barney: Je veux simplement dire que le rock était maintenant une grosse affaire, et beaucoup d'argent inondait les poches de gens qui ne s'attendaient pas à le faire. Cela créait un mélange d'attente et de culpabilité – ils prenaient goût aux bonnes choses (du genre qu'Albert appréciait) mais savaient qu'un bon hippie ne devrait pas être matérialiste. Au début des années 70, tout avait changé et les rock stars étaient les nouveaux Yuppies.

Au moment où Dylan est arrivé à Woodstock, il voulait juste qu'on le laisse seul. Peut-être plus que toute autre star de l'époque, sa célébrité avait transcendé le divertissement et était devenue quelque chose qui frôlait la religiosité. Marre du rôle de messie, il a fait de son mieux pour être un père de famille normal et passer du temps avec sa femme et ses enfants dans un cadre champêtre pittoresque. Sa transformation était si complète qu'il est devenu méconnaissable pour de nombreuses personnes, y compris ses collègues.

Van Morrison n'a pas reconnu Dylan, même après avoir parlé avec lui pendant plusieurs minutes. Jusque-là, ils ne s'étaient jamais rencontrés et Morrison ne savait à quoi il ressemblait que sur les photos. Après que Dylan se soit éloigné et que quelqu'un ait dit à Morrison à qui il avait parlé, l'Irlandais a été choqué. "Il ressemblait juste à un gars juif normal."

Dylan avec Sara Lownds, 1965
(photo de Daniel Kramer)

Faits de la chanson: Woodstock a profondément affecté Dylan et sa musique, qui ont ensuite affecté les autres grands musiciens de l'époque. Donc, il n'est vraiment pas exagéré de dire que les ondulations psychiques de Woodstock ont ​​modifié le cours de l'ensemble du paysage musical. Comment évaluez-vous l'impact de Woodstock sur l'art et l'industrie, à la fois à l'époque de Dylan et au-delà ?

Barney: Je pense que Woodstock était le creuset de ce que nous appelons maintenant Americana, en particulier en termes de ce que Dylan et The Band ont fait à Big Pink et comment cela s'est manifesté dans le premier album de The Band. Tout, de Uncle Tupelo à Mumford & Sons, est ancré dans ce fantasme de se cacher dans les bois et de faire de la musique roots émotive, organique et country.

Faits de la chanson: Vous discutez de la façon dont les hippies se sont déplacés en masse à Woodstock, créant même des communes, dans la quête d'être proche de Bob Dylan. Leur ferveur était motivée par bien plus que le simple culte des célébrités et approchait de quelque chose qui pourrait légitimement être appelé une quête spirituelle, aussi ridicule que cela puisse nous sembler avec le recul. Les jeunes d'aujourd'hui auraient probablement du mal à comprendre la position que Dylan représentait à cette époque. Comment décririez-vous la façon dont les fans des années 60, en particulier les membres de la contre-culture, se sont liés à Bob Dylan ?

Barney: Ils pensaient qu'il était le prophète, le voyant, le mage, même s'il n'a pas voulu ou embrassé ce rôle pendant plus d'une fraction de seconde. Essentiellement, les gens projetaient sur lui leurs fantasmes de grandeur spirituelle : c'est comme s'ils cherchaient un gourou, un leader.

Faits de la chanson: Après toutes les recherches que vous avez faites pour le livre, pensez-vous qu'il est juste de dire que l'incapacité de The Band à faire face aux pressions de la célébrité les a empêchés d'atteindre leur plein potentiel en tant qu'artistes ? Avez-vous une idée de la raison pour laquelle ils étaient, en tant qu'unité, si incapables de gérer le stress ?

Albert Grossman avec les membres du groupe
au Festival de Woodstock (photo de Lisa Law)

Barney: Trois d'entre eux étaient des toxicomanes et quelque peu surnaturels, pour démarrer. Garth n'était tout simplement pas mondain, bien qu'étant un génie musical. Robbie était le seul à avoir un œil sur le prix : il voulait ce qu'Albert avait, et il a acquis ses valeurs d'Albert. Mais à mon avis, il a vendu son âme musicale dans le processus.

Si les autres avaient eu une meilleure gestion pendant les années de vaches maigres, ils auraient pu se ressaisir et mieux survivre. Ce n'est que lorsque Barbara O'Brien est entrée dans la vie de Levon que les choses ont changé pour le mieux pour lui.

Faits de la chanson: Van Morrison a donné des évaluations défavorables non seulement de Woodstock mais de toute la scène "hippie" des années 60. C'est un homme assez énigmatique, et je me suis demandé ce qui, exactement, l'avait tellement perturbé à propos de tout cela. Avez-vous des idées sur la raison pour laquelle il ressentait une telle rancœur envers tout cela?

Barney: Van est né tapageur, mais il n'a jamais voulu être une rock star. Il était un romantique folk-blues, un poète mystique, un troubadour irlandais avec des compétences sociales minimales et une profonde méfiance envers les tendances et les foules. Ce n'est que son talent monumental qui l'a mené à bien. Il était aussi, je pense, influencé par le dégoût de Dylan pour les hippies.

Faits de la chanson: Dans votre livre, vous suggérez que "l'eau qui coule sous le pont" dans "Old, Old Woodstock" de Van Morrison faisait référence à un endroit très spécifique de la ville. Je soupçonne qu'en essayant de cerner des détails comme ça, vous devez passer beaucoup de temps à retracer les étapes des personnes sur lesquelles vous écrivez. Si c'est vrai, pouvez-vous décrire l'expérience de creuser si profondément dans la vie de quelqu'un d'autre ?

Barney: Bon, il faut bien admettre que c'est une pratique un peu suspecte. A-t-on même le droit de le faire ? Je ne suis pas sûr. Tu creuses profondément parce que tu veux y retourner, c'est l'élan nostalgique. Et pourquoi veux-tu y retourner ? Parce que la musique est toujours si puissante, si émouvante, si mystérieuse.

Faits de la chanson: Votre livre était le premier que je lisais de Karen Dalton. Son histoire est vraiment plutôt triste et tragique. Jusqu'où pensez-vous que son talent aurait pu la mener si elle n'avait pas eu autant de démons personnels ? Aurait-elle pu faire partie de ces légendes de la musique de son époque qui sont encore largement reconnaissables aujourd'hui ?

Barney: Elle a un goût un peu acquis, mais Dylan l'adorait. Elle ne serait jamais devenue une légende comme, disons, Joplin, parce qu'elle n'a jamais embrassé le rock'n'roll et n'avait pas de voix rock'n'roll. Je soupçonne qu'elle ne sera jamais qu'une figure culte, mais pour moi, son "Katie Cruel" est l'un des 20 plus grands morceaux de musique jamais enregistrés.

Faits de la chanson: Ed Sanders apparaît dans votre livre. Il mentionne son livre La famille, qui se trouve être l'un de mes travaux journalistiques préférés (le style de Sanders est un plaisir continu, peu importe le nombre de relectures). Sanders a fait une bonne partie du changement à travers ce livre, mais il a également subi beaucoup de critiques pour son affirmation selon laquelle les meurtres de la famille Manson faisaient partie d'un complot souterrain beaucoup plus vaste. A-t-il beaucoup parlé de la façon dont il perçoit toute la scène de la famille Manson aujourd'hui, après avoir vécu quelques décennies de plus à la suite?

Barney: Nous n'avons pas beaucoup parlé de Manson cette fois, mais j'en ai discuté avec lui lorsque je l'ai interviewé pour la première fois à Woodstock dans les années 90. Voici ce qu'il dit alors :

Les meurtres étaient une histoire intéressante qui n'a pas tout à fait été calculée. J'ai pensé qu'ils étaient peut-être piégés, même si j'ai rapidement découvert qu'ils étaient assez coupables lorsqu'ils ont essayé de me faire participer à leurs tentatives d'évasion. Je suppose qu'ils étaient allés à des concerts de Fugs, certains d'entre eux, et ils ont essayé de me faire chanter des chansons de Manson autour du feu de camp. Je voulais montrer aux gens de la clandestinité ce que la Famille avait fait, et que nous aussi, nous avions des normes. Nous avons peut-être voulu une révolution et une nouvelle Amérique, mais ces meurtres représentaient des choses que nous ne voulions pas.

Sanders affirme qu'il recevait encore du courrier haineux de Manson il y a à peine quatre ans. Il a dit qu'il allait arrêter de m'écrire maintenant parce qu'il savait que j'étais un agent de la CIA.

Faits de la chanson: Dans votre livre, Perry Meisel explique comment toute la scène de la contre-culture des années 60 et 70 est tombée assez rapidement dans l'absurdité. C'est devenu une évaluation assez courante, car l'époque semble être de plus en plus ridiculisée par ceux qui n'étaient pas là et chagrine par ceux qui l'étaient. Est-ce juste? C'était une grosse blague ? Y avait-il quelque chose de substantiel ?

Barney: Non, bien sûr, ce n'était pas une blague, mais en 1975, c'était devenu presque vide et sans signification parce que l'accusation d'origine n'était plus là - c'était juste une bande de drogués satisfaits d'eux-mêmes qui avaient oublié pourquoi ils avaient fait de la musique en premier lieu. Puis vint le feu de forêt qui était du punk rock. seulement pour que les dinosaures reviennent plus tard.

4 mars 2016
Small Town Talk est disponible sur Amazon et la plupart des autres libraires.
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Commentaires : 2

  • Gary T de Woodstock, Ny Beaucoup de nostalgie là-bas. Il y a encore quelques enclaves hippies par ici – je dirige même aujourd'hui une maison de chambres qui était également active dans les années 60, et nous avons une version moderne des enfants de Dieu des années 60.
    La fille de Richie Haven vit toujours ici, et maintenant son petit-fils aussi.
    Michael Lang est également résident permanent, tout comme John Sebastian.
    J'étais ami avec quelques membres du groupe et mon frère sortait avec la fille de Manuel.
    Hoskyns manque également à certains des chanteurs folkloriques locaux dans cet article qui étaient pour la plupart locaux mais pleins de talent, comme Billy Faier.
    Un voyage dans le passé à coup sûr.
  • Mark Hildebrand de Floride Excellente interview. Mon intérêt est à son comble. Je pense que je vais le lire.

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Toute la saga Fyre commence et se termine avec un huckster extraordinaire Billy McFarland. Voici un « wizz kid » du millénaire qui a construit une fortune supposée en vendant essentiellement des modes de vie aux millénaires. Cela a commencé avec magnésie, une carte de crédit destinée aux millennials qui offrait des avantages exclusifs. Désormais, ces avantages ne se présentaient pas sous la forme de remises en argent ou de miles de voyage. Au lieu de cela, Magnesis a offert l'accès à un loft chic de New York où les élites se côtoient. En réalité, ce n'était qu'un studio de Manhattan où n'importe quel abruti prêt à payer un APR ridicule pouvait traîner et boire du Red Bull «gratuit».

Avance rapide jusqu'en 2017, et maintenant McFarland et son associé/rappeur quasi-pertinent Ja règle ont lancé une nouvelle entreprise : le FYRE application. Cela fonctionnait essentiellement comme Uber pour les célébrités, où un utilisateur ouvre l'application, choisit l'une des célébrités inscrites et l'engage pour un événement privé. L'ensemble du concept tourne à nouveau autour du thème central du statut social. C'était un outil qui permettrait à n'importe quel jeune d'une vingtaine d'années disposant d'un fonds en fiducie ou faisant six chiffres tout droit sorti d'une école de commerce d'embaucher Kendall Jenner pour leur prochaine soirée sushi et loft, ou tout ce que font les enfants riches avec trop d'argent.

Pour promouvoir l'application Fyre, McFarland, M. Rule et sa compagnie ont décidé de lancer le Fyre Festival. C'était en fait la publicité parfaite pour l'application Fyre, car elle montrait comment quelqu'un qui n'avait aucune connaissance réelle de la musique, de la gestion ou de la planification d'événements (McFarland) pouvait accumuler un onglet géant qu'il ne pouvait pas se permettre afin d'inciter les célébrités à risquer leur caractère assassinat en assistant à son événement. Ainsi, Fyre Fest a lancé une campagne publicitaire prodigieuse sans d'abord faire appel à une société de gestion d'événements ou à quiconque savait à distance comment organiser un événement à grande échelle, mais ne vous inquiétez pas : ils ont embauché Putain jerry. Avec l'aide d'une campagne Instagram, certes efficace, et d'une vidéo promotionnelle fluide, l'événement s'est rapidement vendu.

Finalement, manière trop tard dans le jeu, l'équipe a effectivement commencé à travailler sur le site. Dès le départ, le festival disposait d'une horloge d'environ quatre mois pour mettre en place l'ensemble de l'opération. Alors que le temps commençait à tourner dangereusement bas, McFarland a fait appel à une équipe de production après l'autre et leur a donné ses demandes ridiculement irréalisables. Malgré les tentatives des membres du personnel du festival d'annuler l'événement, McFarland était déterminé à le faire fonctionner. Bref, il a échoué.

Les participants sont arrivés sur une « île privée » totalement mal équipée pour gérer des milliers de fêtards. Les logements n'étaient pas terminés, les « repas gastronomiques » promis étaient comiquement mauvais, et les matelas sans abri se sont rapidement empilés sur le bord de la route. Alors que les gens tentaient de fuir l'île, ils ont appris qu'il n'y avait pas assez d'avions, laissant d'innombrables personnes bloquées sur l'île pendant des jours.

McFarland avait voulu un festival de musique exclusif et élégant avec des actes de premier ordre organisés sur une île privée pleine de belles célébrités et de personnes célèbres, mais tout comme tous les participants de Fyre ont été surpris par ce qu'ils ont obtenu, McFarland a eu quelques surprises de sa part. propre une fois la poussière retombée. D'une part, les organisateurs de McFarland et de Fyre ont été giflés d'un recours collectif de 100 millions de dollars par les participants. Puis vinrent des accusations criminelles, qui auraient eu jusqu'à 115 ans de prison pour McFarland s'il n'avait pas été riche et blanc. En fin de compte, il a plaidé coupable à deux chefs d'accusation de fraude électronique et a également admis avoir présenté des documents frauduleux afin d'attirer les investisseurs. La peine de six ans de prison et l'amende de 26 millions de dollars infligée à McFarland ont probablement été une aussi grande surprise que ces fameux sandwichs au fromage qu'il a essayé de nourrir ses invités.

Woodstock 50

Comme le 50e anniversaire d'un festival emblématique n'a presque pas eu lieu en premier lieu, Woodstock 50 est l'une des annulations les plus notables de mémoire récente. A l'origine, il devait y avoir deux Woodstock célébrations commémoratives prévues du 16 au 18 août 2019. L'une a été planifiée par Pays vivant à l'emplacement d'origine de Bethel Woods, NY, et l'autre par l'organisateur d'origine de Woodstock Michel Lang, qu'il a promu comme "le vrai festival Woodstock 50" et qui aurait lieu à, eh bien, il n'a pas encore dit. Ainsi commença la saga.

Début janvier 2019, Lang a parlé à Pierre roulante et a fourni quelques détails clairsemés, notamment que l'événement se tiendrait à Watkins Glen International à New York. Dans ses commentaires, il a déclaré qu'il s'attendait à ce qu'environ 100 000 personnes y assistent, mais qu'il est difficile de savoir d'où il les a obtenues, car les billets n'étaient pas disponibles et aucune programmation n'avait été annoncée. Le mois suivant, Live Nation a annoncé que son festival à Bethel serait en fait une série de concerts organisés dans toute la ville, et non un véritable festival en soi. Lang a sauté sur cette opportunité pour doubler en tant que «vrai Woodstock 50», mais ses problèmes ne faisaient que commencer.

Alors que mars arrivait, les problèmes ont commencé à s'accumuler. Panneau d'affichage ont signalé des réclamations de non-paiement de la part de plusieurs artistes de la programmation qui n'a pas encore été annoncée. Lang a tenté d'étouffer les murmures de problèmes financiers en annonçant la programmation le 19 mars lors d'un événement de presse au New York City's Studios de dame électrique. Avec une gamme chargée comprenant Les tueurs, Miley Cyrus, Santana, Les Lumineux, Les Raconteurs, Robert Plante, Nathaniel Rateliff, Courir les joyaux, Maggie Rogers, Dead & Company, Chance le rappeur, Les touches noires, Sturgill Simpson, Greta Van Flotte, et bien d'autres, tout semblait normal, pour l'instant.

[Photo : Andrew O'Brien - Événement d'annonce de la programmation Woodstock 50]

Peu de temps après, cependant, les artistes ont commencé à abandonner, à commencer par The Black Keys. Les choses n'ont fait qu'empirer en tant que principal financier du festival, Dentsu égide Réseau, a annoncé avoir annulé le festival. C'est à ce moment-là que cela a vraiment frappé les fans alors que les batailles juridiques, les changements de lieu et les annulations d'artistes s'accumulaient de jour en jour tandis que Lang continuait de maintenir que Woodstock 50 se produirait effectivement. Après avoir été expulsé de Watkins Glen, le festival a déménagé à Vernon Downs à Vernon, New York. Après avoir été expulsé de là, Woodstock 50 a annoncé quelques semaines seulement avant le début du festival qu'il se tiendrait plutôt à Pavillon Merriweather Post à Columbia, MD et serait surnommé Woodstock 50 Washington. Puis, lorsque la programmation abyssale des groupes qui n'avaient pas abandonné a été publiée, il a été annoncé que Woodstock 50 serait un festival gratuit (cette fois avant les hippies ont écrasé les clôtures). Enfin, le 31 juillet, Lang a décidé d'arrêter et a officiellement annulé le festival (encore une fois).

Pendant ce temps, la célébration du 50e Live Nation Woodstock à Bethel Woods s'est déroulée (en comparaison) sans incident. Avec des représentations de Santana, Jean Fogerty, Edgar Hiver Grouper, Camions Tedeschi Bande, Les frères Doobie, et plus encore, le Woodstock 50 à Bethel Woods s'est avéré être le «vrai Woodstock 50».

Un autre festival tristement célèbre qui n'a jamais eu lieu - et peut être difficile pour certains d'en parler - est Curveball. Curveball devait être Hameçonnage11e festival de musique de plusieurs jours et aura lieu du 17 au 19 août 2018 au Watkins Glen International à New York. Phish avait accueilli deux festivals précédents sur le site (Superball IX en 2011 et Magnaball en 2015) qui s'était déroulé sans accroc. Il s'avère que c'était trois prises et vous êtes sorti.

Le 16 août, alors que les fans commençaient à arriver et que de nombreux vendeurs s'étaient déjà installés pour ce qui allait être un week-end lucratif, Phish s'est rendu sur la scène principale pour faire un soundcheck. Juste au moment où ils devaient commencer la première représentation non officielle du week-end, ils ont reçu de mauvaises nouvelles du ministère de la Santé de l'État de New York.

Au cours de la semaine précédant le festival, le comté de Schuyler (où se trouve Watkins Glen) a reçu des pluies torrentielles. Ceci, à son tour, a contaminé l'approvisionnement en eau de la station d'épuration locale et a rendu l'approvisionnement en eau local impropre à la consommation humaine. Le groupe a été contraint d'annuler le festival car beaucoup commençaient ou finissaient tout juste leur voyage vers le site. Ce n'était pas comme les commandes à Coventry faire demi-tour et rentrer à la maison en raison de la quantité sans précédent de boue et de la circulation de 30 milles. Ce n'était qu'un simple fait : il n'y aurait pas de Phish ce week-end.

Beaucoup ont pris l'annonce sur le menton et sont rentrés chez eux. D'autres pensaient qu'ils étaient déjà là à Watkins, avec un camping aménagé, avec de bons amis et une glacière pleine de bière, alors pourquoi ne pas en profiter au maximum. Notre propre Andrew O'Brien est venu par les portes d'entrée à un officier de police sympathique déclarant: "Le festival est annulé, mais vous pouvez faire la fête aussi fort que vous le souhaitez jusqu'à demain midi." Quelle que soit votre stratégie d'adaptation, le lendemain matin apportait toujours la froide lumière du jour qu'il n'y aurait pas de festival.

Alors que Phish n'a pas joué ce week-end, des salles de New York comme Bol de Brooklyn, Le Théâtre du Capitole, celui de Garcia, et d'autres sont montés au créneau et ont offert une entrée gratuite aux concerts pour ceux qui avaient acheté des billets pour Curveball. Les fans se sont réunis Knuckleball festival à la volée dans la ville voisine de Naples, NY. Certains de ceux qui avaient été mis au travail pour le festival, comme le batteur Jon Fishman et une équipe de mimes professionnels embauchés pour le « champ de mimes » du futur festival, coincés sur le terrain pour boire un verre de consolation.

Phish, bien sûr, avait ses propres responsabilités en s'arrangeant avec les fans, ils ont offert des remboursements, des flux gratuits et mis en place un magasin de produits Curveball au profit de Watkins Glen, qui a également raté une énorme opportunité financière.

Même plus d'un an et demi plus tard, les fantômes de Curveball occupent toujours une place importante dans la communauté Phish. De nombreux fans accrochent toujours avec fierté leurs laissez-passer de stationnement du festival et autres souvenirs, un rappel de l'un des meilleurs week-ends qui n'a jamais été. Vous pouvez lire notre couverture complète sur le terrain de l'annulation du Curveball et de ce que nous avons manqué ici.

Led Zeppelin Les années 80 : Première partie

Celui-ci est un peu plus un pas en arrière dans l'histoire, mais a résisté à l'épreuve du temps comme l'une des tournées les plus célèbres qui n'a jamais eu lieu. En 1980, les géants du rock-stade Led Zeppelin s'apprêtaient à entreprendre une tournée en Amérique du Nord. Le groupe, absent des tournées depuis plusieurs années, avait déjà donné quelques concerts de « come-back » en Europe et avait annoncé Les années 80 : Première partie tournée en Amérique du Nord le 11 septembre 1980. Malheureusement, en raison de circonstances tragiques, cette tournée n'aura jamais lieu.

Au moment où 1980 a roulé, Led Zeppelin était en mauvais état. Le groupe avait presque pris fin des années auparavant en 1977 lorsque le chanteur Robert Plante a subi la perte de son fils Karac à une maladie de l'estomac. Plant avait envisagé de se retirer complètement de l'enregistrement et n'a été ramené en studio (et finalement sur scène) que grâce à son amitié avec le batteur John Bonham.

« J'ai perdu mon garçon », dit-il à Pierre roulante. «Je ne voulais pas être dans Led Zeppelin. Je voulais être avec ma famille.

Après avoir poussé le guitariste jimmy Page, le groupe retourne en studio pour enregistrer les années 1979 Dedans par la porte de sortie. Après ces séances revitalisantes, le groupe a effectué un essai à Knebworth plus tard cette année-là, ce fut un succès suffisant pour qu'ils décident de remettre Zepp sur la route. Cependant, Plant avait des stipulations concernant le retour en tournée, qui incluaient des pauses plus longues entre les spectacles, jouer dans des salles plus petites et pouvoir rentrer chez lui en Angleterre chaque mois. Pierre Grant, toujours le manager pragmatique et impitoyable qu'il était, a accepté les demandes de Plant et a annoncé une tournée de 19 dates et 11 villes aux États-Unis et au Canada le 11 septembre. La tournée débuterait le 17 octobre 1980 au Forum de Montréal au Québec et se termine par une course de quatre nuits à Stade de Chicago, fermeture le 15 novembre.

Cependant, Led Zeppelin ne jouera aucun de ces spectacles, car Bonham est décédé le 24 septembre 1980 à la suite de séances de répétition préliminaires pour la tournée. Après une consommation excessive d'alcool qui a commencé le matin précédent, Bonham a été retrouvé inconscient le matin du 25 et a été déclaré mort sur les lieux. Il avait 32 ans.

In a bitterly ironic twist, on the morning of September 25th, 1980, as the band was reporting the news of Bonham’s death, fans all around Chicago were trying to obtain early copies of the Tribune de Chicago for mail order applications to get tickets for a tour that would never happen. The tour was canceled, and on December 4th, 1980, the band’s surviving members released a statement simply saying, “We wish it to be known that the loss of our dear friend, and the deep sense of undivided harmony felt by ourselves and our manager, have led us to decide that we could not continue as we were.” With that, Led Zeppelin was finished.

The Beatles Almost Reunite On SNL

As the 1960s became the 1970s, society experienced a lot of changes. From the ever-escalating conflict in Vietnam to the swearing-in of Richard Nixon on January 20th, 1969. Things were shifting culturally, too, as Woodstock introduced a whole new ideological wave to mainstream America. The pop-psych leanings of the late 1960s had given way to an entirely new sound and style of music that ushered in the 1970s.

One of the landmark changes in the musical landscape, however, was the breakup of Les Beatles in 1970. As the musical tastemakers for the entire world, the exodus of the world-famous band left a massive void in the music world. Just a few years later, however, a whole new cultural institution would emerge: Saturday Night Live.

On October 11th, 1975, American audiences were introduced to SNL and the “Not Ready For Prime Time Players.” The show was a bold new experiment in American television. Sure, there were “live” variety shows before, like Rowan & Martin’s Rire and other comically dated programs with canned laughter. Saturday Night Live, on the other hand, was a show that took audiences seriously and boldly went where other programs wouldn’t dare to tread.

Equally as important as the show’s comedy, however, was its music. In the show’s first season, Saturday Night Live scored such names as Paul Simon, Kris Kristofferson, Bill Withers, Carly Simon, Patti Forgeron, et plus. This was only the beginning.

On April 24th, 1976, Saturday Night Live‘s creator, Lorne Michaels, made a rare on-screen appearance during sketch. In a massive breach of the fourth wall, Michaels sat behind his desk and spoke directly into the camera. “Right now, we’re being seen by approximately 22 million viewers,” he began. “But please allow me, if I may, to address myself to four very special people: John, Paul, George, et Ringo.”

Michaels proceeded to profess his loyal admiration for The Beatles, calling them “the best thing to ever happen to music.” He went on to address then still-rampant rumors of a Beatles reunion. While he acknowledged that the band’s internal squabbles were none of his business, he also brought up the rumor that nobody had offered enough money to book the band. Michaels, authorized by NBC, then directly offered The Beatles a whopping $3,000 to reunite and play three songs on SNL.

“All you have to do is sing three Beatles songs.” il a continué. “’She Loves You,’ yeah, yeah, yeah – that’s $1,000 right there. You know the words. It’ll be easy. Like I said, this is made out to The Beatles. You divide it any way you want. If you want to give Ringo less, that’s up to you. I’d rather not get involved.”

What Michaels didn’t know was that Lennon and McCartney were watching the show, together, at Lennon’s New York residence at The Dakota. The Dakota and Rockefeller Plaza, où SNL is filmed to this day, are just over 20 blocks from each other and, according to both the former Beatles, the two considered showing up and claiming the check. While they wouldn’t have had Harrison and Starr in tow, this would have still marked the closest thing to a Beatles reunion that anyone would have seen.

“Paul … was visiting us at our place in the Dakota,” Lennon recalled in 1980. “We were watching it and almost went down to the studio, just as a gag. We nearly got into a cab, but we were actually too tired. … He and I were just sitting there watching the show, and we went, ‘Ha ha, wouldn’t it be funny if we went down?’ But we didn’t.”

“John said, ‘We should go down, just you and me. There’s only two of us so we’ll take half the money,'” McCartney confirmed. “And for a second. … But it would have been work, and we were having a night off, so we elected not to go. It was a nice idea – we nearly did it.”

Undeterred by this near-miss with music history, Michaels returned to the screen a month later to up the network’s offer to an unheard-of $3,250 for a reunion of the most famous band in the world. While this was ultimately unsuccessful, it did result in a humorous sketch when Harrison visited the show as a musical guest and attempted to claim the money from Michaels. This, too, proved unsuccessful.

All hopes of a Beatles reunion were dashed on December 8th, 1980 when Lennon was murdered by Mark David Chapman while leaving his apartment at The Dakota. While it never came to be, we can still look back at this silly TV moment and ponder what the world would have been like if Lennon and McCartney had reunited. Would it have spurred a Beatles reunion? Would they have even played if they showed up to 30 Rockefeller Center? We will never know.

Check out Lorne Michael’s plea to The Beatles below:

Saturday Night Live — Lorne Michaels to The Beatles

Grateful Dead – May 8th, 1977 – Barton Hall (Cornell) – Ithaca, NY

[Editor’s Note: This entry is speculative, based on long-running claims by various Dead fans and theorists.]

May 8th, 1977 at Cornell University’s Barton Hall in Ithaca, NY is widely heralded as one of the greatest Grateful Dead concerts of all time. The band was back in the swing of things following the 1975 hiatus and was road-testing the classic material that would form Terrapin Station. The Dead had also come into their own in terms of size, moving to elegant theaters and large collegiate gymnasiums and away from the decrepit venues into which they had been cramming fans.

What makes 5/8/77 different from any other show in May 1977, however, is the actual playing. The first set featured lightning from the band straight out of the gate, with inspired versions of “Jack Straw” and “Brown Eyed Women”. The second set showcased first-rate exploration with a nearly 30-minute sequence of “Scarlet Begonias” into “Fire On The Mountain”. Then, to cap things off and make it a real contender for the best show ever, there was the fierce yet delicate “Morning Dew” to close out the second set… but what if I told you the whole thing never happened?

That’s right, the supposed “greatest Grateful Dead concert ever” is nothing more than a mirage. Smoke and mirrors the likes of which Henry Doheny couldn’t even emulate. Buckle up, because it’s a long strange trip involving Vietnam, the CIA, mind control, and more.

The whole saga began back in the tail end of the ’60s and early ’70s, when the United States was losing the war in Vietnam both at home and abroad. In an act of desperation, the CIA took a page out of the KGB playbook and started experimenting with mind control. Rather than taking the MK-Ultra route again and trying to incapacitate people with high doses of LSD, the government instead went the route of suggestive thinking. Now, this wasn’t meant to be used on the “square” population—a good number of whom still supported the war in Vietnam—but rather, the most ardent detractors: hippies. Luckily, the government didn’t need to cook up another batch of MK-Ultra LSD because most of these people were already getting it from Owsley ou Nick Sand.

The government had, unsuccessfully, tried to perform a mind control experiment on hippies two years prior in 1975. Unfortunately, the squares working at the CIA were unaware that the Dead had taken a touring hiatus in ’75 and also didn’t know that Pigpen had been dead for two years. When that first test group saw the 1969-era Grateful Dead perform in 1975, it sent more hippies into a state of psychosis than staring at yourself in the mirror on a handful of caps. Two years later, in 1977, the CIA was ready to try it again—and this time, they got their facts straight.

Throughout 1976 and 1977, college psychology students were enlisted to go out and tape Grateful Dead performances. By the time November 1977 rolled around, they had amassed enough standout performances to string together a legendary, cohesive show. Next came set and setting, as the CIA researched the Spring 1977 tour and chose an off touring day in a location close enough to actual shows that it was believable. Finally, they settled on May 8th, 1977 for the unseasonable snowfall in Ithaca that would a) provide veracity to the subject’s claims and b) cement the day in their minds forever.

Audience tapes were distributed to people in the crowd, who then spread them throughout the general public, dispelling any potential disbelief. Soon after, a larger experiment was done on the town of Ithaca itself, so as to have confirmation from the secular, “straight” community. Undercover CIA double agent Jerome Garcia even recorded the iconic “Scarlet Begonias” > “Fire On The Mountain” with the band specifically for this experiment. Never trust a prankster…

Finally, soundboards leaked from Betty O’Connell and, eventually, Betty Cantor Jackson, thus cementing the myth in the Deadhead canon. Outlets like DeadNet, archivist David Lemieux, David Gans, and many more served to further the myth and keep up the government’s charade to boost morale for an unsuccessful and unpopular war. There’s just one thing they didn’t count on: ol’ pappy Bob Weir pulling back the curtain over 30 years later.

In this installment of the short-lived Weir Here roundtable discussion series, Bob spilled the beans on the great Barton Hall hoax while talking to Steve Parish and Lemieux. When he asked Lemieux if Cornell was on the new Spring ’77 box set, both Lemieux and Parish respond with an alarmed, “what Cornell show?!”

Weir then exposed the whole cover-up,

It’s been a long time, I think it’s finally unclassified. The deal is that that legendary Cornell show never happened. A lot of folks think they were there. All these folks, if you think you were there, ask yourself: were you in a 7/11 or a Burger King and somebody from the company came up to you and said, ‘you look like just the guy who would dig this hat.’ It was this sort of elegant tin foil hat, and people would put it on… It was a very successful experiment. People still to this day think that that concert actually happened.

Watch the whole exchange, which begins at 7:40:

Weir Here — ‘Tellin’ Tales of Spring ’77’


The Misconception About Baby Boomers and the Sixties

Conventional wisdom places the boomers at the center of the social and cultural events of the nineteen-sixties, including Woodstock. In truth, they had almost nothing to do with that era. Photograph from Getty

Thankfully, we are within sight of the end of the fiftieth anniversaries of things that happened in the nineteen-sixties. What’s left is mostly stuff that no one wants to remember: the Days of Rage, Nixon’s Silent Majority speech, the death of Jack Kerouac, and Altamont—although these will probably not pass entirely without mention.

One reason to feel glad to be nearly done with this round of fiftieths is that we will no longer be subjected, constantly, to generalizations about the baby-boom generation. There are many canards about that generation, but the most persistent is that the boomers were central to the social and cultural events of the nineteen-sixties. Apart from being alive, baby boomers had almost nothing to do with the nineteen-sixties.

The math is not that hard. The boom began in July, 1946, when live births in the United States jumped to two hundred and eighty-six thousand, and it did not end until December, 1964, when three hundred and thirty-one thousand babies were born. That’s eighteen years and approximately seventy-six million people. It does not make a lot of sense to try to generalize about seventy-six million people. The expectations and potential life paths of Americans born in 1946 were completely different from the expectations and life paths of Americans born in 1964. One cohort entered the workforce in a growing economy, the other in a recession. One cohort had Elvis Presley to look forward to the other had him to look back on. Male forty-sixers had to register for the draft, something people born in 1964 never had to worry about.

The boomers get tied to the sixties because they are assumed to have created a culture of liberal permissiveness, and because they were utopians—political idealists, social activists, counterculturalists. In fact, it is almost impossible to name a single person born after 1945 who played any kind of role in the civil-rights movement, Students for a Democratic Society, the New Left, the antiwar movement, or the Black Panthers during the nineteen-sixties. Those movements were all started by older, usually much older, people.

The baby boomers obviously played no substantive role in the passage of the Civil Rights Act or the Voting Rights Act, or in the decisions of the Warren Court, which are the most important political accomplishments of the decade. Nor were they responsible for the women’s movement or gay liberation. Betty Friedan was born in 1921, Gloria Steinem in 1934. The person conventionally credited with setting off the Stonewall riots, Stormé DeLarverie, was born in 1920.

Even the younger activists in the civil-rights movement were not boomers. John Lewis was born in 1940, Diane Nash in 1938, Bob Moses in 1935. The three activists who were killed during Freedom Summer in Mississippi, in 1964, were all born before 1945. Stokely Carmichael was born in 1941 (in Trinidad and Tobago), Bobby Seale in 1936, Huey Newton in 1942. Malcolm X was born in 1925, four years before Martin Luther King, Jr.

Mario Savio, the de-facto leader of the Berkeley Free Speech Movement, was born before 1945. Tom Hayden, Jerry Rubin, and Abbie Hoffman were all born before 1940. Dennis Hopper, who directed “Easy Rider,” was born in 1936 Mike Nichols, who directed “The Graduate,” was born in 1931 (in Berlin) and Arthur Penn, who directed “Bonnie and Clyde,” was born in 1922.

Virtually every prominent writer and artist in the nineteen-sixties was born before 1940. Allen Ginsberg, James Baldwin, Truman Capote, Flannery O’Connor, Norman Mailer, and Andy Warhol were born in the nineteen-twenties, Carolee Schneemann, Yvonne Rainer, Sylvia Plath, Philip Roth, Amiri Baraka, Ken Kesey, Donald Barthelme, and Tom Wolfe in the nineteen-thirties, as were James Rado and Gerome Ragni, co-authors of the musical “Hair.” The chief promoter of rock and roll, Bill Graham, was born in 1931 (in Berlin). The chief proselytizer for psychedelic drugs, Timothy Leary, was born in 1920. Even Michael Lang, the original Woodstock promoter who can’t seem to quit, was born in 1944. Dr. Seuss was born in 1904.

Almost none of the musicians who were popular during that era were boomers. Bob Dylan, Joan Baez, Jerry Garcia, Janis Joplin, Jimi Hendrix, Jim Morrison, Sly Stone, Frank Zappa, Otis Redding, Lou Reed, Diana Ross, and Paul Simon were all born before 1945. O.K., Stevie Wonder was born in 1950, and Janis Ian was born in 1951. But everyone used to say, “They’re so young!”

Although the boomers may not have contributed much to the social and cultural changes of the nineteen-sixties, many certainly consumed them, embraced them, and identified with them. Still, the peak year of the boom was 1957, when 4.3 million people were born, and those folks did not go to Woodstock. They were twelve years old. Neither did the rest of the 33.5 million people born between 1957 and 1964. They didn’t start even going to high school until 1971. When the youngest boomer graduated from high school, Ronald Reagan was President and the Vietnam War had been over for seven years.

Older boomers do have memories of the politics and the music of the sixties, even if they were pretty peripheral participants. The oldest of them may have marched and occupied and worn flowers in their hair, although the fraction of any generation that engages in radical or countercultural behavior is always very small. A much larger number of young Americans went to Vietnam than dropped out. It follows that most of the people who experienced post-sixties hangovers in the nineteen-seventies were not boomers, either. The whole narrative of postwar U.S. history is demographically skewed.

One reason that it may seem natural to identify young people with what was happening in the nineteen-sixties is because of the huge emphasis in those years on youth—though few at the time seem to have realized that a lot of the people who went around saying “Don’t trust anyone over thirty” were over thirty.

But there was a lot of youth culture in the nineteen-sixties only because there was a lot of youth. The idea that youth culture is culture created by youth is a myth. Youth culture is manufactured by people who are no longer young. When you are actually a young person, you can only consume what’s out there. It often becomes “your culture,” but not because you made it. If you were born during the baby boom, you can call yourself a sixties person. You can even être a sixties person. Just don’t pretend that any of it was your idea.


Les plus lus

Hendrix had to wait until 8:30 a.m. Monday morning to perform because of the rain delays. The crowd that was once over 400,000 was just 30,000 by the time he took the stage, but those who stuck around were rewarded with a stellar performance.

Hendrix played hits like "Purple Haze" and "Voodoo Child," but it was his guitar solo rendition of "The Star Spangled Banner" that many remember the most.

10. No Round 2

Many were hoping the large scale concert event would happen again the following year in 1970. However, Yasgur refused to rent his farm out again.

Bethel was also done with hosting the concert. New laws were put into play that would prevent something like Woodstock from taking place in the town again.


Yasgur's farm.

Through Tiber, Lang met Max Yasgur, a neighbor with a large dairy farm, and the concert famously took place on Yasgur's farm. Lang had sold about 186,000 advance tickets and was estimating an audience of 200,000, but more than twice that many arrived, temporarily bringing the New York State Thruway to a standstill. For those three days, the Woodstock Festival was the third most populous city in the state, after New York City and Buffalo. My future husband hitchhiked partway there and then rode his bicycle the rest of the way. He came home without the bicycle or his sleeping bag, wearing shoes that weren't his. He had a lot of new knowledge about mind-altering substances but few recollections of the concert itself. Like most who attended, he never bothered with a ticket.

You might think the lack of things like permits came about because Lang was 24 in 1969, but the Woodstock anniversary concerts he and his partners organized since then followed a somewhat similar pattern, also devolving into either terrible or wonderful chaos. In 1994, I was a volunteer at the 25th anniversary concert in Saugerties, New York, about 10 miles from Woodstock which is as close as any "Woodstock" concert has ever gotten. As in '69 there was rain, mud, and great music, and a lovely vibe, but there were also some very unhappy vendors whose stalls were simply overrun by hungry crowds. In 1999, a 30th anniversary concert was held on a tarmac at a former Air Force base and Superfund site in Rome, New York. This time, rain would have been welcome, but instead there was 100-degree heat, $4 bottles of water and very long lines for water fountains. At the end, the event turned into a riot.

Now the 50th anniversary concert is over before it began. One of the reasons it was canceled might seem familiar. Then, as in 1969, Lang and his partners announced the event before getting permits from the town of Watkins Glen, which turned them down as Woodstock and Wallkill did 50 years earlier. Fortunately, back then Tiber and Yasgur were there to provide what was needed. So was the hippie commune the Hog Farm, which distributed free food to the ginormous crowd. We should all be grateful. Without them, there might not have been anything to commemorate.

Although there's no Woodstock 50th Anniversary concert, Radio Woodstock, the beloved local station in Woodstock, New York, will be airing 36 hours of the 1969 concert beginning at 5:07 pm Eastern Time today. You can listen online here.


The Town That Turned Away Woodstock

Because the Wallkill generation doesn’t sound quite the same as the Woodstock generation.

On June 17, 1969, the Poughkeepsie Journal in upstate New York included the following somewhat bizarre headline on page 9: “Wallkill Aroused by Folk Festival.” If you read further, you learned that a “massive rock and folk festival scheduled for August” was indeed arousing the small hamlet of Wallkill, New York. There was widespread “[p]ublic alarm at the prospect of having 50,000 young music lovers invade this small Orange County community.”

Of course, the Woodstock Music & Art Fair’s Aquarian Exposition: 3 Days of Peace and Music was not just your typical massive rock and roll festival. The festival, which took place 50 years ago this week and drew more than 450,000 people to a pasture in rural New York, would become known simply as Woodstock. But at the time the event sounded like a really bad idea, especially to Wallkill town leaders. “This thing could cause bedlam in my town,” Wallkill Town Supervisor Jack A. Schlosser complained to the Journal. “The festival would come at the same time as the opening of a new Sears Roebuck store in the area.”

The original Woodstock Festival poster.

That’s right: Due to what one can only assume was a major scheduling oversight, Wallkill was expecting more than 20,000 customers to descend on the new Sears department store for its opening weekend — shoppers who would have to use the same traffic intersection as thousands of concertgoers. But the Sears grand opening was far from the only issue arousing the residents of Wallkill.

Concerned citizens and festival organizers clashed constantly at town meetings …

The ultimate counterculture bash was organized by four twentysomething capitalists using money that one of them, John Roberts, had received as the heir to a drugstore and toothpaste manufacturing fortune. Roberts had been to exactly one rock concert in his life, by the Beach Boys, but he did have a multimillion-dollar trust fund. In early 1969, the promoters settled on the 300-acre Mills Industrial Park in Wallkill for the event, a nice pastoral location not far from metropolitan areas of New York, Philadelphia and Boston. They approached the town planning board and got a verbal go-ahead. Pretty soon, they were promoting the peace-loving festival everywhere from the Village Voice to The New York Times to Pierre roulante in a carefully calculated PR campaign that appropriated countercultural symbols and phrases.

The brochure for ordering tickets to the 1969 Woodstock Music and Art Festival. The text offers ‘Three Days of Peace and Music.’

No amount of public relations, however, could entice the citizens of Wallkill to embrace a horde of drugged-out hippies descending upon them. In addition to the Sears issue, concerns were raised with sanitation, parking, food, drug use, crime and more. Concerned citizens and festival organizers clashed constantly at town meetings, people threatened to blow up the house of the man who owned the proposed industrial park site, and a Wallkill Concerned Citizens Committee was formed that gathered hundreds of signatures asking local authorities to cancel the festival. Such public festival pushback was not at all unusual at the time. “In 1969, there were festivals all over the United States and many of them were extremely crappy,” says Gina Arnold, author of Half a Million Strong: Crowds and Power from Woodstock to Coachella. “Almost every city council was diametrically opposed to having festivals — that kind of chaos was totally normal.”

Woodstock’s organizers initially insisted that Wallkill town leaders lacked the authority to cancel the event and that it would go ahead as scheduled. But, on July 15, 1969, the Wallkill Zoning Board of Appeals officially banned the concert on the pretext that the planned portable outdoor toilets were not up to code. Suddenly, with just a month remaining before the event, tens of thousands of attendees and dozens of musicians found themselves without a venue. Woodstock’s organizers scrambled to find a suitable replacement, and fortunately, a man named Max Yasgur offered up his 600-acre dairy farm in Bethel, New York.


Fifty years ago, Jimi Hendrix’s Woodstock anthem expressed the hopes and fears of a nation

Par Mark Clague | August 16, 2019

Hendrix’s version of the National Anthem combined reverence and revolution.

One of the most powerful, searing renditions of the national anthem ever recorded, Jimi Hendrix’s iconic Woodstock anthem, almost never happened.

In his memoir, Hendrix’s drummer, Mitch Mitchell, admitted that the band “hadn’t rehearsed … or planned to do ‘The Star-Spangled Banner’ at Woodstock.”

The festival was supposed to wrap up on Sunday night, but a series of delays, traffic jams and rainstorms had postponed the closing set until 9:00 a.m. the next day. Hendrix hadn’t slept the night before.

Hendrix played for more than an hour that Monday morning before introducing his regular concert-closer, “Voodoo Child (Slight Return).”

“Thank you very much and goodnight,” he said, as the band continued to jam. “I’d like to say peace, yeah, and happiness.”

But then, instead of wrapping up his set, he launched into his iconic take on Francis Scott Key’s song.

In the 19th century, it was common practice to write new lyrics to old songs as a way to comment on politics and culture – a tradition known as broadside balladry. So far my research has identified roughly 200 songs written to the tune of “The Star-Spangled Banner.” The abolitionist lyric “Oh Say, Do You Hear?” is one particularly powerful example.

Hendrix, in a way, continued this tradition, updating the tune to say something about the world around him.

Rather than change the words, however, Hendrix transformed the musical arrangement.

Mining the anthem’s many meanings

Some might think Hendrix’s Woodstock Banner was an on-the-spot improvisation. But he had actually been experimenting with the song for over a year, and he would continue to perform the anthem up until his untimely death in September 1970.

In all, Hendrix performed the piece at least 70 times, with his last known performance taking place almost a year after Woodstock – in Hawaii, on Aug. 1, 1970.

Hendrix sometimes titled his anthem renditions “This Is America,” and his arrangements were as flexible as they were potent. They could be as short as three minutes or as long as six-and-a-half.

Building off the traditional melody, Hendrix could paint a picture of patriotic pride or commercial corruption.

Hendrix knew how to celebrate the nation. For example, his studio version of the anthem is a patriotic fireworks display, bursting with overlapping layers of the traditional melody. It’s decorated with sparkling trills, extra melodic passing tones and extreme octave shifts.

At the other end of the symbolic spectrum are his four anthem renditions that he recorded live at San Francisco’s Winterland Ballroom in October 1968. They begin with dark, atmospheric improvisations, punctuated by Mitchell’s explosive drums, and include raucous quotes of TV advertising jingles and a distorted, out-of-tune version of the melody that devolves into the Civil War lament “Taps.”

Hendrix also knew how to blow up the anthem.

Fusing horror with hope

Woodstock was a social experiment – a cultural response to a decade of protest and fear.

On one side, there was America’s youth, outraged by racial injustice and war in Vietnam. On the other side, there was an establishment terrified by the social revolution taking place: new attitudes about sex, drugs, spirituality, racial equality and communal living.

This generational collision came to a head on the wooden stage built at Max Yasgur’s farm.

Hendrix was an unlikely countercultural hero. He was a mixed-race, rock icon who had served in the U.S. Army’s 101st Airborne, earning his “Screaming Eagles” patch as a paratrooper. While he escaped the military to pursue his musical career, he still had friends in Vietnam.

In his Woodstock anthem, Hendrix seems to mimics explosions, machine gunfire and a wailing emergency siren – musical images of horror.

But these departures from the traditional melody don’t dismantle the anthem. Instead, he plays notes that intone the words “bombs bursting in air” and “rockets red glare.” He depicts, rather than destroys, the song.

Hendrix then plays the “Taps” melody, a tune traditionally performed at military funerals to honor the sacrifice of service.

Finally, he returns to the traditional anthem melody, offering a full and faithful conclusion to the song. He lingers on several words, extending the note sounding the word “free” for six full seconds. His musical conclusion seems to echo the optimistic, if not triumphant, themes of the festival.

When 400,000 arrived for a concert designed for, at most, half that number, a public health disaster loomed. Shortages of food, water, gas, and medical supplies, compounded by an impassable traffic jam foretold of suffering if not violence. Yet the community pulled together and a temporary city appeared. Rivers of mud made utopia impossible, but attendees persevered. Extra food was donated, volunteer doctors from the U.S. Army and Red Cross were flown in by helicopter, patience and peace reigned. Music held the world together.

Hendrix used Key’s anthem to reflect the America he experienced at Woodstock that weekend. It was a nation mired in contradiction, but also a community capable of pulling together.

It was a cry of anguish and a vision of “peace, yeah, and happiness.”

Cet article est republié à partir de The Conversation sous une licence Creative Commons. Lire l'article original.

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About Mark Clague

Mark Clague is an associate professor of musicology at the University of Michigan. His research interests center on questions of how music forges and shapes social relationships in such subjects as American orchestras as institutions (especially in early Chicago and San Francisco) the Atlanta School of composers Sacred Harp singing critical editing and Performing Arts Entrepreneurship.

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Words are their weapons

Each year Louder Than a Bomb puts more than 1,000 young poets from Chicago-area middle and high schools together in a furious battle of words that validates and celebrates their view of the world. Here are some of their works.

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Historical Photos That Show What Woodstock Was Really Like

Heading to Woodstock was all about meeting like-minded people and forgetting about the rest of the world, especially as political debates were happening around the globe and plenty of conflict taking place. Although it is now one of the most iconic festivals of all time, only a handful of media personnel were granted access to Woodstock.

The Rolling Stone Magazine was one of the few allowed inside. Photographer Baron Wolman was so loved by the crowd that most people wanted to have their picture taken, including this family all relaxing as they enjoyed the once in a lifetime atmosphere.


The rockets' red glare

The festival’s headliner, Jimi Hendrix, was also in a difficult position at the time the event took place. The Jimi Hendrix Experience - the group that had brought the guitarist to fame - had split up just a month and a half before Woodstock.

Casting about for a new musical direction that hadn’t really gelled at the time, Hendrix ended up playing Woodstock with the under-rehearsed, ill-prepared Gypsy Sun and Rainbows. The ensemble teamed Experience drummer Mitch Mitchell with Hendrix’s Chitlin’ Circuit comrades Billy Cox (bass) and Larry Lee (guitar) and two percussionists, Juma Sultan and Geraldo Velez.

&ldquoThat lineup was short lived,&rdquo Hendrix’s longtime recording engineer and co-producer Eddie Kramer later told me. &ldquoJimi was experimenting. His buddy, Larry Lee, had just come back from Vietnam. Jimi wanted to give him a shot.&rdquo

Armed with just his 1968 Olympic White Strat, Marshall stack and effects pedals, Hendrix brought to life the horrors of war

The musicians managed to do some rehearsing and jamming amid a drug-fuelled party vibe at Hendrix’s house in Boiceville, New York, near the festival site. But they weren’t exactly in top fighting form.

Meanwhile, Hendrix was following news coverage of Woodstock’s first two days and realizing that his ramshackle new band would be playing its first gig at what people already knew would be one of the most historic events of the rock era.

So Hendrix was uneasy as he and his band boarded helicopters bound for Woodstock’s muddy, chaotic backstage. As the festival’s headliner, he received star treatment. Hendrix was the only artist to get his own private backstage area - a farm shack, actually. But he wasn’t spared the interminable wait to get onto the stage.

Also like many of the other acts, he’d unwittingly partaken of the LSD-spiked water, which most likely didn’t do good things for his anxiety levels. A companion of his, Leslie Aday, was summoned to the shack when Hendrix started acting weird, as Aday recounted in the book Hendrix: Setting the Record Straight:

&ldquoHe seemed really sick, or really high, and was sweating bullets. I was feeding him Vitamin C, fruit and having him suck on lemon slices. He didn’t feel the band knew the songs well enough or had had enough rehearsal.&rdquo

The set was uneven at best. The humid conditions kept throwing Hendrix’s Fender Stratocaster out of tune. And the band clearly seemed to lose the plot at points.

Fortunately, they were backing one of the greatest rock showmen of all time. In a beaded, white leather tunic and scarlet headband that have become an indelible part of Woodstock iconography, Hendrix held it together with his own coruscating virtuosity.

There were several points in the show where Hendrix took off on extended solo bouts of feedback frenzy and fret-board magic, but the one that became the great signifier of the entire Woodstock era was Hendrix’s tour-de-force rendition of &ldquoThe Star-Spangled Banner.&rdquo

Hendrix knew the time and place were right to make a major statement. Tensions were running high over the Vietnam War in the summer of ’69. Resistance and rage burned hot in streets and towns across America and the world.

Armed with just his 1968 Olympic White Strat, Marshall stack and effects pedals, Hendrix brought to life the horrors of war - strategically strafing feedback-induced bomb blasts and mournful ambulance sirens amid the melismatic cadences of the American national anthem.

His guitar wept for the war’s dead too - 57,939 American soldiers and millions of Vietnamese killed - working the military funeral tune Taps into the patriotic melody. Without a word, Hendrix had closed the Woodstock festival with an impassioned plea for peace - a recontextualized anthem for the Woodstock nation and a testimony to the immense power of the electric guitar.


Voir la vidéo: Les festivals les plus mythiques. (Mai 2022).